Pour célébrer le Mois de l’histoire des Noirs, je mets en lumière l’incroyable style, l’innovation et l’impact culturel que l’Afrique et les Afro-Américains ont apporté au monde de la mode – car, soyons honnêtes, l’industrie serait plutôt ennuyeuse sans cet éclat.
Estampes africaines
Imprimé dashiki africain Vlisco. (Crédit image : Perelman Museum, Philadelphie)
Quand quelqu’un parle de «robe africaine», la plupart d’entre nous imaginent immédiatement le dashiki, un fabuleux haut ample qui semble maintenir à lui seul la roue chromatique en marche. Mais voici une particularité : ces imprimés éclatants que vous aimez ne sont pas nés en Afrique. Non. Ils ont une histoire mondiale plus épicée qu’un pot de riz Jollof.
Les imprimés africains, également connus sous le nom d’imprimés en cire, sont les descendants industriels d’anciens motifs de batik : des motifs dessinés, bloqués et teints à la main qui remontent à la Chine et à l’Inde du VIIIe siècle. Au XIIIe siècle, les artisans de l’île de Java pensaient : « Nous pouvons rendre cela encore meilleur » et perfectionnaient la technique. Quelques centaines d’années plus tard, deux sociétés européennes : ABC (un fabricant britannique de cire qui a émigré au Ghana) et Vlisco (oui, les Néerlandais s’en sont également mêlés) – a fini par créer un marché en plein essor pour ces estampes en Afrique de l’Ouest vers 1867.
Impression de cire moderne par Vlisco. (Crédit image : Perelman Museum, Philadelphie)
À partir de là, l’histoire ne fait que devenir plus élégante. Les commerçants africains, en particulier les femmes d’affaires influentes affectueusement surnommées « Mama Benz » (car qu’achète-t-on d’autre avec de l’argent imprimé qu’une Mercedes ?), ont transformé ces motifs en monnaie culturelle – chaque imprimé portant son propre nom, son message et son ambiance.
Aujourd’hui, aux États-Unis et au-delà, les imprimés africains sont fièrement portés comme symboles audacieux d’héritage, d’identité et de style. Ils continuent d’illuminer les défilés de mode du monde entier, prouvant une fois de plus qu’un superbe imprimé ne se démode jamais.
Enveloppements de tête africains
Jele Head Wrap (Crédit photo : Oladimeji Odunsi)
L’une des exportations de mode les plus féroces d’Afrique ? Le bandeau, également appelé serre-tête ou foulard, selon votre humeur (ou la météo). Portées pour tout, des courses d’épicerie aux grandes cérémonies, ces coiffes sont plus que de simples accessoires : ce sont des déclarations, des symboles de statut et parfois des bouées de sauvetage lors d’une mauvaise journée de cheveux. À travers le continent, ils portent des noms différents : le gelé règne en maître en Afrique de l’Ouest, tandis qu’en Afrique australe, vous verrez le doek et duku ajoutant du style et une bonne dose d’attitude au style de tous les jours.
Regardez cette vidéo YouTube sympa pour apprendre à nouer 10 variantes différentes de bandeaux.
Symbolisme de la robe africaine
Agabada pour hommes (Crédit photo : Fikayo Aderoju) et Gomesi pour femmes (Crédit image : mywedding.co.ug)
Les vêtements africains ne visent pas seulement à être fabuleux (même si c’est certainement le cas) ; c’est une conversation à part entière sous forme de tissu. Ces motifs audacieux ? Ils ne sont pas aléatoires : ils racontent des histoires sur la foi, la politique et parfois pour qui vous avez voté. Les couleurs ne sont pas non plus un hasard de la mode : le rouge apporte le drame en tant que couleur de la mort, le vert est essentiellement l’émoji de fertilité de la nature, le blanc garde les choses pures et convenables et le bleu porte son cœur sur sa manche comme la couleur de l’amour. Et n’oublions pas les garde-robes régionales : les hommes d’Afrique de l’Ouest défilent dans leurs majestueux agbadas, tandis que leurs homologues d’Afrique de l’Est restent suaves et aérés en kanzus. Oubliez les étiquettes de créateurs : ces styles sont la marque patrimoniale. Pour les femmes, ce sont le gomesi et le kanga (un morceau de tissu en coton imprimé coloré avec une bordure qui s’enroule autour du corps).
Pionniers du design afro-américain
Zelda Barbour Wynn Valdés
Zelda Barbour Wynn Valdés. (Crédit image : blackthen.com)
Zelda Barbour Wynn Valdes n’était pas seulement une créatrice : elle était une révolution de la mode, enveloppée de satin et de style. Le premier créateur de mode et de costumes afro-américain et Première créatrice noire à ouvrir sa propre boutique en 1948, Valdes a créé « Chez Zelda » directement sur Broadway à New York. Et sa liste de clients ? Un who’s who d’icônes du milieu du siècle : Dorothy Dandridge, Josephine Baker, Marian Anderson, Ella Fitzgerald, Mae West, Ruby Dee, Eartha Kitt et Sarah Vaughan. En gros, si vous pouviez commander une scène ou un écran, vous portiez probablement Zelda.
Au début des années 1950, Vie Le magazine a surnommé Valdes la « Marilyn Monroe noire », un titre qu’elle a gagné non pas pour son rôle d’actrice mais pour sa capacité à sculpter les courbes dans la couture. Puis, en 1958, lorsque Hugh Hefner avait besoin de quelqu’un pour imaginer le premier costume de Playboy Bunny, il appela Zelda. Sa version originale ? Des oreilles plus grandes, pas de nœud papillon ni de poignets à froufrous : Valdes élégant, audacieux et pur, avant que le Bunny ne rentre dans l’histoire de la culture pop.
Anne Lowe
Ann Lowe. (Crédit image : Musée national de l’histoire et de la culture afro-américaines)
Ann Lowe, souvent reconnue comme la première grande créatrice de mode noire américaine, a créé des robes de haute couture pour l’élite sociale américaine, notamment la robe de mariée emblématique de Jacqueline Kennedy de 1953. Malgré son talent exceptionnel, les clients fortunés sous-évaluaient souvent son travail, marchandant les prix et ne lui offrant qu’une fraction de ce qu’ils paieraient volontiers à des créateurs blancs ou à des couturiers français. En conséquence, Lowe a souvent subi des pertes financières importantes sur ses commissions. La robe de mariée Kennedy, en particulier, s’est avérée désastreuse : une fuite de plomberie a détruit la robe et toutes les robes des mariées dix jours seulement avant la cérémonie. Sans se laisser décourager, Lowe et son équipe ont refait chaque pièce à leurs propres frais, un revers qui lui a coûté plus de 2 000 $ – une perte qu’elle n’a jamais révélée à la famille Auchincloss. Malgré son talent artistique et sa persévérance, ses contributions sont restées largement méconnues pendant des décennies.
Willi Smith et sa sœur modèle Toukie Smith. (Crédit image : Cooper Hewitt)
En 1976, le créateur Willi Smith n’a pas seulement lancé une marque de mode : il a lancé un mouvement en créant WilliWear. Au milieu des années 1980, il ne se contentait plus de dessiner ; il empilait – plus de 25 millions de dollars de ventes, pour être exact. Smith a gagné son titre comme l’un des créateurs afro-américains les plus titrés de l’histoire de la mode, prouvant que son grand style fait payer les factures.
Avance rapide jusqu’en 2020, lorsque le musée Cooper Hewitt de New York a célébré son génie avec une exposition rétrospective intitulée Willi Smith : la couture de rue – un clin d’œil approprié à l’homme qui a rendu le centre-ville cool bien avant que les baskets n’atteignent le podium.
Et voici un rebondissement personnel amusant : dans les années 1970, Willi lui-même m’a sauvé d’un coup de soleil rouge tomate qui faisait grincer des dents alors que je rôtissais au bord de la piscine (en dormant profondément) à l’hôtel Taj Mahal à Bombay. Sauveur de la mode le jour, sauveur littéral au bord de la piscine – maintenant c’est un concepteur à service complet.
Tracy Reese
Tracy Reese. (Crédit image : Dimitrios Kambouris)
Tracy Reese brisait les barrières avant que ce ne soit une tendance. En tant que première créatrice noire à obtenir une reconnaissance majeure dans le monde de la mode contemporaine, elle a lancé sa marque éponyme en 1998, à l’époque où l’Internet par ligne commutée était encore d’actualité. Désormais basée à Détroit, Reese a évolué avec une nouvelle marque à l’esprit éthique appelée Espoir de fleurs– parce qu’apparemment, je conçois des vêtements fabuleux, qui tiennent compte de la taille et Sauver la planète n’est pour elle qu’un autre jour au bureau.
Virgile Abloh
Virgil Abloh 1980 -2023 (Crédit image : Vogue.com)
Virgil Abloh était le type rare de créateur de mode qui traitait les frontières comme des accessoires facultatifs. Architecte de formation (ce qui explique pourquoi ses sweats à capuche étaient dotés d’une intégrité structurelle), il a construit des empires plutôt que des bâtiments, en commençant par Pyrex Vision en 2012 et en passant par Off-White en 2013. Peu de temps après, il dirigeait la mode masculine chez Louis Vuitton, prouvant que le streetwear pouvait non seulement franchir les portes de la haute couture, mais aussi redécorer les lieux. Abloh ne se contentait pas de brouiller les frontières entre la mode, la musique et le design : il en gribouillait de nouvelles dans Helvetica et ajoutait des attaches pour les mettre en valeur. Son influence n’a pas seulement façonné les garde-robes ; cela a remodelé l’idée même de ce que signifiait le « luxe ».
Christophe John Rogers
Christophe John Rogers. (Crédit image : Forbes.com)
Christopher John Rogers est un créateur de mode noir américain de Baton Rouge, en Louisiane, qui a essentiellement pris du Crayola, des costumes d’opéra et la réalité de l’église du Sud, les a mis dans un mixeur et l’a appelé pragmatique charme. Il a lancé sa marque éponyme en 2016 et, au fil des années de mode, il est passé de « qui est ce gamin dans le coin ? au « premier rang ou à la faillite » en tant que l’un des jeunes créateurs les plus acclamés de New York.
En 2019, il remporte le premier prix du 16e CFDA/Vogue Fashion Fund, rejoignant officiellement la table des cool‑kids aux côtés de Proenza Schouler et Alexander Wang, mais avec un color blocking bien meilleur. Sa liste de clients ressemble au plan de salle du Met Gala : Beyoncé, Rihanna, Lady Gaga, Lizzo, Michelle Obama, Zendaya, Tracee Ellis Ross, Gabrielle Union, Lil Nas X et Kamala Harris se sont toutes démarquées dans son travail comme des points d’exclamation ambulants. En fait, Kamala Harris a même choisi un manteau et une robe Christopher John Rogers violet vif pour l’inauguration de 2021, annonçant au monde : « Oui, j’écris l’histoire – et je le fais en couleur. » Depuis, il a remporté le prix CFDA du créateur de mode féminine de l’année et est devenu finaliste du prix LVMH, confirmant ainsi son statut d’artiste contemporain.
Le Mois de l’histoire des Noirs offre l’occasion de mettre en avant l’Afrique et les créateurs de mode afro-américains. Cela a donné lieu à des programmes en classe et communautaires qui intègrent désormais des sujets tels que la mode afrofuturiste, les marques durables dirigées par des Noirs et les « premières » de la mode noire, aidant les étudiants à voir la mode comme un espace de résistance, de construction d’identité et de narration culturelle.
